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Johannes Wohnseifer * 1967 in Cologne, currently lives and works in Cologne and Erftstadt and teaches as professor at the Academy of Media Arts in Cologne. His video works, photographs, sculptures and installations contain many references to design, art history and is as well denoted to an analyse of our everyday life, which has been shaped by mass media, in which the hierarchies of the intellectual and the undemanding have become obsolete. Painting, a focal point of his oeuvre, often contains multi-layered, historical references to society, economy, design and pop. It takes up everyday culture determined by mass media and can be understood as a contemporary answer to Pop Art of the 1960s. The artist's works are represented in many international collections, including Saatchi Gallery, London; Boros Collection, Berlin; Museum Ludwig, Cologne and the Collection of Contemporary Art of the Federal Republic of Germany in Berlin. The artist is represented by Galerie Elisabeth & Klaus Thoman Innsbruck/Vienna, Galerie Gisela Capitain, Cologne, Johann König, Berlin and Casey Kaplan, New York, Linn Lühn, Düsseldorf and Meliksetian I Briggs, Los Angeles. 

Galerie Elisabeth & Klaus Thoman is pleased to present sculptures in the second solo exhibition with Johannes Wohnseifer in Vienna. In ‘Wiedergabe’ Johannes Wohnseifer refers to his own sculptural work. In particular he has focused on the cube - an essential basic sculptural form. Johannes Wohnseifer lets us participate in his thought processes. His catalogue with texts on all the works in the exhibition provides central insights into Wohnseifer's strategies in his artistic work.


Wiedergabe is a lamp sculpture. I use lamps at irregular intervals in my work. I have also used grave candles as material, in 2010 for the work "Another Year".

Here 52 grave candles were placed in a replica bookcase. Each candle had a lighting duration of one week, all oft hem  together could shine accordingly for the duration of one year. The plexiglass cover of the showcase was mirrored on the upper side. One could only see the grave candles from the side. The name of the candles was "Johanneslicht".

The title of this work "Wiedergabe" (reproduction) refers to playing, repeating, looking back, remembering and recycling. The title seemed to me so appropriate in context to the other sculptures in the exhibition that I decided to use it as the title to the exhibition.

The fault of the defective lamps, shining as "eternal light" on the cemetery only for a very limited period of time, shall be healed. On the one hand the material comes from the recycling container of the local cemetery as well as from the 3D printer of an art school. I collected all used and empty grave candles myself. The similarity of this work to the representation of the Covid-19 virus was not intended. The work was conceived long before the COVID-19 pandemic.



Catalogue Raisonné

I have always understood the topic of  „catalogue raisonné“ as work and sculpture.

My first catalogue raisonné, which lists the works from 1992 to 2007 listed as the last work, - and thus the title the catalogue raisonné -  itself as a work.

The catalogue raisonné can therefore take various forms. Here as a bicycle sculpture. The print data to the catalogue raisonné, at that time still stored on data DVDs, are now inserted into the spokes of the rims. This conversion of CD’s to a decorative objects I first observed by small children playing with it. The bicycle is a track bike. A special racing bike for track races, which have no brakes. The metaphor of movement generated by the bicycle can be related to the movement, of artistic work, which is also unbraked at first in its continuous production. But it may only be moved in a circle.




Black Swan

For more than 20 years I have been painting most of my pictures on aluminium sheets and have dealt with the conditions of this material in detail. Aluminium is a material that stands for  almost brutal efficiency. It is rust-resistant and is used equally for airplanes, cars, house-facades, bombs and window-frames. So it contains metaphors for movement and speed as well as for lightweight-construction (efficiency) and destruction.

For this new series of small-format works I wanted to create images which are treated more like sculptures in it‘s production process. I designed these pictures with the help of a 3D program and then exposed it with a CNC milling machine from a solid block of aluminium.  It is therefore a subtractive process, not an additive one as in the process of painting.

The colouring through anodising is just as important. Through a chemical process (acid bath), the surface of the aluminium forms a solid bond with the anodised layer. Through the colouring, the surface of the aluminium becomes hardened and more resistant. For me, it is an important element that the colour changes the surface structure of the carrier material. Here too, there is a correspondence to (monochrome) painting in which the ink and the carrier medium are tried to be merged into one unit.

I have been following the conditions of sculptural and painterly methods and processes to combine or exchange with each other in different forms for a long time. Basically, for me every painting is also a sculpture, because even the flattest painting on the wall is a three-dimensional object. All these questions are to be dealt with in this new series. It‘s title refers to the book by Nassim Nicholas Taleb.

A Mine As Deep As Time (Stacked Studio Floor)

This is the former parquet floor from my current studio. The wooden floor had to be removed.

I have removed the parquet pieces collected and used them in this series of sculptures.

Parquet is a high-quality and durable floor covering, which for me is mentally connected with time and work. Especially condensed represented in the famous painting " Les raboteurs de parquet" by Gustave Caillebotte. The layering of the parquet elements results in soles like in a mine. "Mine" is also used as a code word borrowed from M.W. for the artists studio. In order to make the hard work, whether in the mine or in the studio, bearable, the prospect of a find or a profit is important, but for this, a lot of material has to be moved first, and this requires a lot of time.


 Feminized White Cube

This work was produced for the exhibition Recent Sex/Love Works at Johann König in Berlin. In this exhibition I tried to balance the gender ratio of the "female" and "male" works. A simple white painted chipboard base was considered "male" in its rough execution. Here there should be a "female" equivalent. The perfect lacquer image, which is aimed for in fingernail design, served as a pattern.

The problems associated with such attributions were important to me at that time as an additional layer of complexity.



This Work as well started with the idea of recycling. It consists of many small polystyrene cubes, which were glued between aluminium plates for protection and as spacers. I use these aluminium plates for my paintings. Therefore, for me this work has a connection to  Painting as well. Since I often work with text in pictures, there is another common ground. The sculpture depicts the letters C, U, B, E all around, which is the basic principle of many of my sculptures. This basis has its origin in the concept of the "White Cube" as exhibition space. I have transferred this into my sculptures. Starting from this, all further questions can be dealt with.

The material of this piece was transformed by the aluminium casting and is now identical with the material it was originally intended to protect.

 The White Film (Teaser)

The sculptures were intendet as an announcement of a video work that was never realized.

The idea was to make a short film of about ten minutes, which was to be shown as a loop. Essential elements of action films, thrillers and pornography were to be combined and filmed in the aesthetic of Hollywood productions of the time.

A member of a special bomb squad has to defuse three bombs distributed in a city. The bombs had the shape of white cubes and were very sneaky. The journeys between the locations would have been staged as spectacular car chases.

The last bomb was a failure to disarm. The film ends with the white explosion flash and starts again with a cumshot shot of the main actor having sex until the phone rings and he is called to the scene... As the leading actor I had planned with Keanu Reeves

In the exhibition space, the white cubes are covered with camouflage nets, which in this spatial context naturally creates the opposite effect and makes the work more visible, thus, like a poster, referring to the film.


Apple G4-Cube, Apple I-Mac, Apple G4 

I found the design of the outer packaging made of styrofoam for the Apple devices of that time to be very well thought out and could see a high will to shape there. To me the covers appeared like ghosts of the devices.

I then transformed them into aluminium sculptures using full-mould casting and painted them white according to the original design. In the meantime, the devices accompanying the packaging have become technically obsolete or are no longer functional at all. The former packaging continues to function as sculpture and afterimage.


In earlier works I have repeatedly dealt with the representation of clocks

and calendars. Here is another translation of a timepiece.

The title refers to a high-quality and very precise mechanical watch. All the elements used are inscribed with specific time spans. The cigarette butt, whose time phase has already expired.

The blossom that will still pass and the water that would evaporate in a certain time interval. The plastic base could probably last for several hundred years. 

It's almost over now

The sculptures exist in three unique versions and were produced for my first exhibition Elimination of Dialogue at Johann König in Berlin. They show the White Cube as a model for action. In this case, this is to be understood as very literal, because all works are equipped with climbing handles.

I have used the climbing holds as exemplary substitute sculptures in the sculptures because their appearance resembles the grip in a soft lump of clay.

The interior of the sculptures is always perfectly painted, the exterior, however, was deliberately neglected. Texts were glued on or written directly on the wood with felt pen. Some of the lyrics are from songs of the group N.E.R.D. whose first record In Search of... was an essential reference point of the exhibition. The first digitally produced version of the record was withdrawn shortly after its release and replaced by an acoustic production. Both versions were played simultaneously and competitively in the exhibition space.

The other texts deal with the NATO mission in the Yugoslavian war

and the shooting down of a stealth fighter plane in 1999. the principles of visibility and invisibility were another topic of the exhibition.


 Kraftwerk 2

This cast aluminium is a successor to a first series of pylons, which I first showed in 2000. While the aluminium casts of the first version were still hand-painted, they are now professionally painted. There has also been a color change from luminescent orange to luminescent green and the pylon has a slightly changed shape with additional bars. A reference to the first releases from Kraftwerk.


 Valley Cube:

 For a solo exhibition in Paris, I explored the analogy between topography and business cycles under the impression of the financial crisis at the time. The pedestals remained empty (crisis), because the floor space was shaped into model-like landscapes (valleys), so that upswing, boom, recession and depression can be read.  In a revision, the pedestal was shortened to a cube and the surface was painted with high-quality pigments in as bright a shade of white as possible.


Open Cube

 is a variation of the Solar Cooker.  A series of mirror polished stainless steel sculptures which, when aligned in direct sunlight, can generate heat for cooking. This sculpture has the potential to generate energy, especially when used as an outdoor sculpture.



Wiedergabe ist eine Lampenskulptur. Lampen verwende ich in unregelmäßigen Abständen immer wieder in meiner Arbeit. Auch die Grablichter habe ich bereits als Material verwendet, 2010 für die Arbeit „Another Year“.

Hier waren 52 Grablichter in einer nachgebauten Büchervitrine platziert. Jedes Grablicht hatte eine Leuchtdauer von einer Woche, alle Kerzen zusammen könnten entsprechend für die Dauer eines Jahres leuchten. Die Plexiglashaube der Aufsichtsvitrine war auf der Oberseite verspiegelt. Man konnte die Grablichter nur von der Seite erkennen. Der Name der Grablichter war „Johanneslicht“.

Der Titel dieser Arbeit „Wiedergabe“ bezieht sich auf das Abspielen, Wiederholen, Zurückblicken, die Erinnerung und Recycling. Der Titel erschien mir auch im Zusammenhang der weiteren Skulpturen der Ausstellung so passend, daß ich mich dazu entschlossen habe ihn als Ausstellungstitel zu verwenden.

Der Fehler der mangelhaften Lampen, daß sie als „ewiges Licht“ auf dem Friedhof nur für einen sehr begrenzten Zeitraum leuchten, soll geheilt werden. Das Material stammt einerseits aus dem Recycling-Behältern des örtlichen Friedhofs wie aus dem 3D-Drucker einer Kunsthochschule. Alle gebrauchten und leeren Grablichter habe ich selbst gesammelt. Die Ähnlichkeit dieser Arbeit mit der Darstellung des Covid-19-Virus war nicht beabsichtigt, die Arbeit wurde zeitlich weit vor der Corona-Pandemie konzipiert.

Die Lampe soll sehr niedrig hängend installiert werden. Etwa in der Höhe über dem Boden, so daß sie vollflächig in dem liegenden runden Spiegel erscheint.

Catalogue Raisonné

Das Werkverzeichnis habe ich immer auch als Arbeit und Skulptur verstanden. Mein erstes Werkverzeichnis, das die Arbeiten von 1992 bis 2007 auflistet, führt als letzte Arbeit und damit im Titel das Werkverzeichnis selbst als Arbeit auf. Daher kann das Werkverzeichnis verschiedene Formen annehmen. Hier eben als Fahrradskulptur. Die Druckdaten des Werkverzeichnis, die noch auf Daten-DVDs gespeichert waren, sind nun in die Speichen der Felgen gesteckt. Diese dekorative Form der Umnutzung der CDs habe ich zuerst bei kleinen Kindern gesehen. Bei dem Fahrrad handelt es sich um ein Bahnrad, ein spezielles Rennrad für Bahnrennen, das keine Bremsen besitzt. Die Bewegungsmetapher, die das Fahrrad erzeugt, lässt sich auf das zunächst in seiner kontinuierlichen Produktion ebenfalls ungebremste Werk beziehen, das sich eventuell aber nur im Kreis bewegt.


Black Swan

Seit mehr als 20 Jahren male ich die meisten meiner Bilder auf Aluminiumbleche und habe  mich eingehend mit den Bedingungen des Materials auseinandergesetzt. Aluminium ist ein Material, das für eine fast brutale Effizienz steht. Es ist rostbeständig und wird gleichermaßen für Flugzeuge, Autos, Hausfassaden, Bomben und Fensterrahmen verwendet. Es enthält also sowohl Metaphern für Bewegung und Geschwindigkeit wie für Leichtbau (Effizienz) und Zerstörung.
Für diese neue Serie von kleinformatigen Arbeiten wollte ich Bilder erzeugen,
die im Herstellungsprozeß eher wie Skulpturen behandelt werden. D.h. daß ich diese Bilder am Rechner mit Hilfe eines 3D-Programms entworfen habe und es dann mit einer CNC-Fräse aus einem massiven Aluminiumblock freigelegt

wurde. Es handelt sich also um einen substraktiven Prozess, keinen additiven wie beim Malauftrag.
Die Färbung durch die Eloxierung ist ebenso wichtig. Durch einen chemischen Prozeß (Säurebad) geht die Oberfläche des Aluminiums mit der Eloxalschicht eine feste Verbindung ein. Durch die Färbung wird die Oberfläche des Aluminiums gehärtet und widerstandsfähiger. Für mich ist das ein wichtiges Element, daß durch die Farbe die Oberflächenstruktur des Trägermaterials verändert wird. Auch hier gibt es eine Entsprechung zur (monochromen) Malerei bei der versucht
wird Trägermaterial und Farbe zu einer Einheit zu verbinden.

Die Bedingungen von skulpturalen und malerischen Methoden und Prozessen zu kombinieren bzw. miteinander auszutauschen verfolge ich ja schon seit längerem in unterschiedlichen Ausformungen. Grundsätzlich ist für mich jedes Bild auch eine Skulptur, weil selbst das flachste Bild an der Wand ein dreidimensionales Objekt ist. Alle diese Fragen sollen in dieser neuen Serie verhandelt werden, deren Titel auf das Buch von Nassim Nicholas Taleb verweist.

 A Mine As Deep As Time

Es handelt sich hierbei um den früheren Parkettboden aus meinem jetzigen Atelier. Der Holzboden musste entfernt werden. Ich habe die Parkettstücke gesammelt und für diese Serie von Skulpturen verwendet. Parkett ist ein hochwertiger und langlebiger Bodenbelag, der für mich gedanklich mit Zeit und Arbeit verbunden ist. Besonders verdichtet dargestellt im berühmten Gemälde „Die Parkettschleifer“ von Gustave Caillebotte. Durch die Schichtung der Parkettelemente hinter Plexiglas ergeben sich Sohlen wie in einem Bergwerk. „Bergwerk“ wird auch als ein von M.W. geborgtes Codewort für das Atelier verwendet. Um die harte Arbeit, ob in der Mine oder im Atelier, erträglich zu machen, ist die Aussicht auf einen Fund oder Ertrag wichtig, wofür aber zunächst mit großem Zeitaufwand viel Material bewegt werden muss.

Feminized White Cube   

Diese Arbeit wurde für die Ausstellung Recent Sex/Love Works  bei Johann König in Berlin produziert. In dieser Ausstellung habe ich u.a. versucht das Geschlechterverhältnis der „weiblichen“ und „männlichen“ Arbeiten auszugleichen. Ein einfacher weiß gestrichener Spanplatten-Sockel galt in seiner groben Ausführung als „männlich“. Hier sollte es eine „weibliche“  Entsprechung geben. Als Muster diente das perfekte Lackbild, das im Fingernageldesign angestrebt wird. Die Problematik, die mit solchen Zuschreibungen verbunden ist, war mir damals als zusätzliche Komplikationsebene wichtig.


Auch bei dieser Arbeit stand zu Beginn der Recycling-Gedanke. Die Arbeit besteht aus vielen kleinen Styropor-Würfeln, die zum Schutz und als Abstandhalter zwischen Aluminium-Platten geklebt waren, die ich als Malgrund verwende. Deshalb ergibt sich für mich bei dieser Arbeit ein Zusammenhang zur

Malerei. Da ich oft mit Text in Bildern arbeite, gibt es eine weitere Gemeinsamkeit. Die Skulptur bildet umlaufend die Buchstaben C, U, B, E  ab, was wiederum dem Grundprinzip vieler meiner Skulpturen entspricht. Diese Basis hat ihren Ursprung in der Vereinbarung des „White Cube“ als Ausstellungsraum, die ich auf meine Skulpturen übertragen habe. Ausgehend davon lassen sich damit alle weiteren Fragenstellungen behandeln.

Das Material der Arbeit wurde durch den Aluminiumguss transformiert und ist nun mit dem Material identisch, das es ursprünglich schützen sollte.


 The White Film (Teaser)

Diese Skulpturen waren als Ankündigung für eine Videoarbeit gedacht, die nie realisiert wurde. Die Idee war es einen ca. zehnminütigen Kurzfilm zu drehen, der als Loop gezeigt werden sollte. Wesentliche Elemente von Actionfilmen, Thrillern und Pornos sollten miteinander kombiniert und in der damaligen Ästhetik von Hollywood-Produktionen gefilmt werden.

Ein Mitglied eines Spezialkommandos für Bombenentschärfungen muss drei in einer Stadt verteilte Bomben entschärfen. Die Bomben hatten die Form von weißen Würfeln und waren sehr heimtückisch. Die Fahrten zwischen den Einsatzorten wären als spektakuläre Verfolgungsjagden inszeniert worden.

Bei der letzten Bombe misslingt die Entschärfung. Mit dem weißen Explosionsblitz endet der Film und fängt gleich wieder mit einer Cumshot-Einstellung an, die den Hauptdarsteller beim Sex zeigt, bis das Telefon klingelt und er zum Einsatz  gerufen wird... Als Hauptdarsteller hatte ich mit Keanu Reeves geplant.

Im Ausstellungsraum werden die weißen Würfel mit Tarnnetzen bedeckt, was in diesem räumlichen Kontext selbstverständlich die gegenteilige Wirkung erzeugt und die Arbeit sichtbarer macht und somit, wie ein Plakat, auf den Film hinweist.


Apple G4-Cube

Apple I-Mac  

 Apple G4

Die Gestaltung der Umverpackung aus Styropor für die damaligen Apple-Geräte habe ich als sehr durchdacht empfunden und konnte dort einen hohen Formwillen erkennen. Mir erschienen die Hüllen wie Geister der Geräte.

Ich habe sie dann im Vollformguss in Aluminiumskulpturen transformiert und entsprechend der Originalvorlage weiß gestrichen. Die Geräte zu den Verpackungen sind mittlerweile technisch überholt oder gar nicht mehr funktionsfähig. Die einstige Verpackung wirkt als Skulptur und Nachbild weiter.



In früheren Arbeiten habe ich mich immer wieder mit der Darstellung von Uhren

und Kalendern beschäftigt. Hier eine weitere Übersetzung eines Zeitmessers.

Mit dem Titel wird auf eine hochwertige und sehr präzise mechanische Uhr verwiesen. Alle Elemente, die eingesetzt werden, sind bestimmte Zeitspannen eingeschrieben. Die Zigarettenkippe, deren Zeitphase bereits abgelaufen ist.

Die Blüte, die noch vergehen wird und das Wasser, das in einem bestimmten Zeitintervall verdunsten würde. Die Basis aus Kunststoff könnte wahrscheinlich mehrere hundert Jahre überdauern.

 Diese Arbeit benötigt eine auf der Straße gefundene Filterzigarettenkippe und eine Blüte (Kamille z.B. oder weiße Margerite, keine Rose). Das Wasser soll nachgefüllt werden.



It’s almost over now 

Die Skulpturen existieren in dreifacher, unikatärer Ausführung und wurden für meine erste Ausstellung Elimination of Dialogue bei Johann König in Berlin produziert. Modellhaft führen sie den White Cube als Ort für Handlungen vor. Das ist in diesem Fall als sehr wörtlich zu verstehen, weil alle Arbeiten mit Klettergriffen versehen sind.

Die Klettergriffe habe ich als beispielhafte Ersatzskulpturen in den Skulpturen verwendet, weil ihr Erscheinungsbild dem Griff in einen weichen Tonklumpen gleicht.

Das Innere der Skulpturen ist jeweils perfekt lackiert, das Äußere wurde hingegen bewusst nachlässig behandelt. Texte wurden aufgeklebt oder direkt mit Filzstift auf das Holz geschrieben. Ein Teil der Texte stammt von Songs der Gruppe N.E.R.D. deren erste Platte In Search of... ein wesentlicher Bezugspunkt der Ausstellung war. Die erste digital produzierte Fassung der Platte wurde kurz nach Erscheinen zurückgezogen und gegen eine akustische Produktion ausgetauscht. Beide Fassungen wurden gleichzeitig konkurrierend im Ausstellungsraum abgespielt.

Die anderen Texte beschäftigen sich mit dem NATO-Einsatz im Jugoslawien-Krieg und dem Abschuss eines Stealth-Kampfflugzeugs im Jahr 1999. Die Prinzipien von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit waren ein weiteres Thema der Ausstellung.

  Kraftwerk 2 

Dieser Aluminiumguss ist ein Nachfolger zu einer ersten Serie von Pylonen, die ich erstmals im Jahr 2000 gezeigt hatte. Waren die Aluminiumgüsse der ersten Fassung noch handbemalt, sind sie nun professionell lackiert. Es hat auch ein Farbwechsel von Leuchtorange zu Leuchtgrün stattgefunden und der Pylon hat eine leicht geänderte Form mit zusätzlichen Stegen. Eine Referenz an die ersten Platten von Kraftwerk.


 Valley Cube


Für eine Einzelausstellung in Paris habe ich mich unter dem Eindruck der damaligen Finanzkrise mit der Analogie von Topografie und Konjunkturzyklen beschäftigt. Die Sockel blieben leer (Krise), weil die Standfläche zu modellhaften Landschaften (Tälern) ausgeformt waren, so daß Aufschwung, Boom, Rezession und Depression abgelesen werden können.  In einer Überarbeitung wurde der Sockel zum Würfel gekürzt und die Oberfläche mit hochwertigen Pigmenten in einem möglichst leuchtenden Weißton bemalt.


Open Cube
Open Cube ist eine Variation der Solar Cooker.  Eine Serie von Skulpturen aus spiegelpoliertem Edelstahl die, wenn sie nach dem direkten Sonnenlicht ausgerichtet werden, Hitze zum Kochen generieren können. Diese Skulptur hat, besonders wenn sie als Außenskulptur verwendet wird, das Potential Energie zu erz